Bienvenue au Wu-Tang
For three seasons, the Hulu original series Wu-Tang: An American Saga has chronicled the life and times of seminal ’90s-era rap group the Wu-Tang Clan. Cinematographer Gavin Kelly has been with the series since the pilot episode and was behind the camera for the finale; along the way, he was joined by alternating cinematographers Niels Alpert for Season 1 and David Tuttman for Seasons 2 and 3. In this Q&A, Kelly reflects on his multitude of entry points for the project and the ways in which the look has evolved over the story’s three seasons, all of which were supported through Panavision New York.
Panavision : Comment décririez-vous l'esthétique de la série ?
Gavin Kelly : L'esthétique remonte au pilote, qui présentait nos héros, le Wu-Tang Clan, luttant pour survivre et prospérer dans les rues de Staten Island à New York pendant l'épidémie du crack des années 90. La première saison était très ambitieuse et variée : à la fois parcours de vie du héros, saga policière, drame familial et biopic musical, elle suivait de nombreux personnages et leurs histoires croisées.
Le Wu-Tang Clan de la série est constitué de personnages dont les personnalités, les énergies et les rêves sont plus grands que nature, tout en étant ancrés dans de dures réalités. Leur univers quotidien est complexe, brut, dangereux, mais aussi plein de lumière et d'espoir en ce qui concerne la famille, l'amitié, la fraternité et la musique. L'esthétique est donc celle des extrêmes : des contrastes riches et forts, des variations audacieuses de l'éclairage, de la couleur, de l'objectif. Les personnages naviguent entre les bords tranchants des hautes lumières et des ombres profondes, à travers des températures de couleur troubles et saignantes, dans des moments de lumière et de flamboiement accablants.
L'objectif était de rehausser l'image de la série, en mettant l'accent sur la stature et le respect de la complexité de nos personnages au milieu de leurs conditions difficiles et souvent tristes. Il s'agissait souvent de créer des plans rapprochés ou des plans graphiques forts qui évoquaient les icônes qu'ils allaient devenir, tout en étant au cœur d'environnements difficiles. Ils ont de grands rêves, qui les feront passer de l'ombre à la lumière. Cette approche visuelle multiple est ce que Chris Robinson, le réalisateur du pilote, et moi-même avons appelé « le grand combat », inspirés par les mémoires puissantes de Ta-Nehisi Coates.
Comment l'esthétique a-t-elle évoluée au cours des trois saisons de la série ?
Kelly : À chaque nouvelle saison, les histoires des personnages évoluent et leurs mondes s'agrandissent, tout comme le langage visuel de la série. La saison 2 retrace la métamorphose des personnages qui forment le Wu-Tang Clan, ainsi que leur processus créatif et leur évolution lors de la création de leur premier album emblématique, Enter the Wu-Tang (36 Chambers). Nous avons introduit, par moments, des couleurs plus saturées dans la palette d'éclairage de cette saison, ainsi qu'un travail de caméra plus stylisé, subjectif et ludique lorsque l'histoire l'exigeait. Dans la troisième et dernière saison, les intrigues retracent intimement les défis, les tensions et les triomphes de l'ascension au sommet de la culture hip-hop, et finalement de la culture grand public, à mesure que l'impact du Wu-Tang Clan devient « Wu-Tang Forever » (Wu-Tang pour toujours).
Plusieurs des épisodes les plus ambitieux en termes d'histoire et d'exécution se trouvent dans la saison 3, car nous avons plusieurs épisodes qui s'éloignent des intrigues principales pour se diriger vers des réalités alternatives ou fantastiques basées sur les personnalités, les visions et les albums solos de certains membres du Wu-Tang. L'univers du Wu-Tang s'élargit, tout comme nos approches visuelles. Nous avons eu l'occasion de pousser l'esthétique plus loin dans diverses directions sur ces épisodes, notamment en tournant en anamorphose, principalement avec des objectifs de la série C, complétés par quelques objectifs de la série E, et en élaborant des éclairages et des palettes de couleurs spécifiques aux épisodes, en synchronisation avec le concepteur de production Nick Francone et l'excellente équipe du département artistique. Avec RZA lui-même qui a réalisé les deux derniers épisodes que j'ai tournés, nous avons conclu la série en beauté et avec audace, à l'image du groupe.
Le Wu-Tang Clan lui-même a puisé dans une riche mosaïque d'inspirations culturelles et artistiques. Y a-t-il des références spécifiques dont vous et vos collaborateurs vous êtes inspirés pour créer le style visuel de la série ?
Kelly : Nous nous sommes tous inspirés d'une grande variété de références visuelles pour développer l'esthétique. Tout y est passé, du travail de photographes noirs emblématiques comme Gordon Parks, Roy DeCarava et Carrie Mae Weems, à l'imagerie d'époque et au style de la culture hip-hop et musicale des années 90 par des photographes comme Chi Modu, Danny Hastings et Sue Kwon. Les influences cinématographiques vont des films des Shaw Brothers (des films de kung-fu classiques qui font partie intégrante de la culture du Wu-Tang Clan) aux films de gangsters et de criminels américains comme The Godfather, American Gangster et Mean Streets, aux films indépendants récents et intimistes comme Moonlight, Pariah et Fruitvale Station. L'une de mes sources d'inspiration constantes est le travail de Wong Kar-wai, qui utilise des palettes de couleurs audacieuses et dynamiques, des compositions fortes et travail de caméra intime. La série est une toile des vies et des histoires du clan, donc l'esthétique devait être riche, complexe et dynamique au fur et à mesure que l'on avançait dans l'univers Wu.
Qu'est-ce qui vous a amené à choisir Panavision pour cette série ?
Kelly : J'ai travaillé avec Panavision pendant des années, et ils ont toujours été formidables et d'un grand soutien. Ils sont toujours enthousiastes à l'idée de me prêter des appareils photo et des objectifs pour effectuer des tests approfondis afin de trouver le meilleur ensemble possible pour l'esthétique d'un projet particulier. Sur Wu-Tang, j'ai insisté pour tourner en grand format afin que la portée de nos plans moyens et de nos gros plans puisse avoir une stature plus grande que nature, lorsque c'était nécessaire, pour impliquer au maximum le héros.
Pour la saison 1, nous avons tourné sur DXL2 avec des Panavision Primos ainsi que des ensembles d'objectifs Primo Artiste et Série H lorsque nous voulions pousser l'esthétique encore plus loin avec des effets et des textures expressifs. Dans les saisons 2 et 3, l'esthétique ayant légèrement évoluée, nous sommes passés à la Venice de Sony et aux Primes Suprêmes de Zeiss avec les Artistes. Pour deux épisodes de la saison 3, nous avons utilisé des objectifs anamorphiques de la série C afin de pousser l'image encore plus loin dans des univers cinématographiques Wu intensifiés. Il y a aussi un épisode qui se concentre sur le Wu-Tang en tournée, avec tout le Clan entassé dans un bus de tournée. Nous avons tourné la majeure partie de cet épisode dans un bus modifié sur scène en utilisant la technologie de l'écran LED, avec des plaques correspondant à nos emplacements extérieurs pour un décor virtuel homogène.
Comment An American Saga se compare-t-elle aux autres projets de votre carrière ?
Kelly : Ce projet a été unique et gratifiant pour moi en raison de son ambition et de son dynamisme créatif tout au long des saisons. La musique a toujours occupé une grande place dans ma vie (je jouais dans un groupe quand j'étais plus jeune) et j'ai toujours eu une affinité pour la musique du Wu-Tang Clan, donc l'aspect musical était un grand plus pour moi. Nous avons tourné de nombreuses séquences de performance musicale tout au long de la série, ce qui nous a permis de pousser le voyage émotionnel visuellement, de danser et de jouer avec la caméra et l'éclairage.
De plus, travailler avec RZA et l'équipe pour donner vie à la version narrative de son histoire et de celle du Clan a été un processus très particulier et nuancé. L'histoire que nous mettions en images est très spécifique et personnelle pour lui, et en même temps emblématique pour le public et faisant partie d'un tout. Le défi de la cinématographie a toujours été de rechercher l'intimité et une perspective centrée sur le personnage, tout en soulignant ses aspirations, sa dignité et le potentiel du héros qui sommeille en lui.
Quelle est votre histoire personnelle ? Qu'est-ce qui vous a incité à devenir chef opérateur ?
Kelly: J'ai toujours été attiré par les histoires sur la recherche de compréhension de soi et des autres, sur ce qui nous relie, sur ce que nous partageons en tant qu'êtres humains. Je suis toujours curieux, en recherche et inspiré par de nouvelles perspectives, de nouvelles histoires, et j'essaie de nourrir cette curiosité pour une meilleure compréhension. Très tôt, j'ai découvert que la caméra était le moyen créatif qui me permettait le mieux d'explorer, et je n'ai jamais cessé de chercher depuis.
Ce qui m'inspire et m'enthousiasme, c'est que chaque jour, avec la caméra et dans mon travail, je cherche, j'explore, je m'efforce de trouver les moyens les plus honnêtes sur le plan émotionnel de partager et d'exprimer les vérités du parcours du personnage, image par image : ses rêves, ses échecs, ses luttes, ses triomphes.
