Seamus McGarvey, ASC, BSC, à propos de la cinématographie de Die My Love

Le nouveau long métrage de la réalisatrice Lynne Ramsay, Die My Love, propose une exploration visuellement poétique de l’amour, la maternité et la fracture psychologique. Comme l’explique de manière évocatrice le chef opérateur Seamus McGarvey ASC BSC, le film « dépeint deux personnes, qui ont déménagé à la campagne pour rendre leur vie idyllique, et ce à quoi nous assistons, c’est à la désintégration osmotique progressive de leur vie ».

Guidé par le talent instinctif de Ramsay pour raconter des histoires, McGarvey a construit une esthétique qui reflète l'univers intérieur du film, s'éloignant du réalisme pour embrasser la perception émotionnelle. Dans cette conversation exclusive, McGarvey revient sur le développement du langage visuel distinct du film, sur le fait de rester à l’écoute des performances dynamiques des acteurs principaux Jennifer Lawrence et Robert Pattinson, et bien plus encore.

Retrouvailles avec Lynne Ramsay

« Die My Love, pour moi, a commencé quand Lynne Ramsay m’a appelé et m’a dit : " J’ai ce merveilleux film basé sur un livre du même nom " », se souvient McGarvey. « Tout ce que Lynne fait, je suis prêt à le faire. C’est une réalisatrice tellement unique. »

Le duo avait déjà collaboré pour le film We Need to Talk About Kevin, sorti en 2011, qui mettait en scène le fossé émotionnel entre une mère et son fils profondément perturbé. « Quand on se lance dans un film avec Lynne, on sait que la caméra va occuper une place centrale dans le récit », explique McGarvey, qui précise que Die My Love présente « une représentation picturale d'une dépression nerveuse. Les méandres psychologiques d'une femme qui vient d'avoir un enfant, dans une nouvelle maison, avec toutes les tribulations et les épreuves de l'amour racontées à travers l'objectif. »

Prise de vue sur pellicule 35 mm

« Au départ, l’une de mes suggestions était de "filmer avec Ektachrome " », explique McGarvey, en faisant référence à la pellicule d’inversion couleur 100D de Kodak. "Nous ne voulions pas que cela donne l’impression d’être un film réaliste, et Grace, le personnage joué par Jennifer Lawrence, nous voulions qu’on ait l’impression qu’il était en quelque sorte l’incarnation de son point de vue. Une perspective faussée de la vérité. Ektachrome a permis cela parce qu’il a vraiment une signature photographique unique. »

Avec un indice d’exposition de seulement 100 pour Ektachrome, « les intérieurs de jour ont été de véritables défis », reconnaît McGarvey. « Nous avions besoin d’injecter beaucoup de lumière dans les décors. » Plutôt qu'une contrainte, les cinéastes ont considéré cela comme un avantage créatif pour élaborer la perspective unique du film. « La force de l'impact des sources puissantes lui a donné un aspect particulier », explique McGarvey.

« Il y a un mystère à filmer », poursuit le chef opérateur. « J'ai eu tous mes cheveux gris en tournant sur film, car on ne sait pas vraiment ce qui se cache derrière. Il y a quelque chose de vraiment spécial à ce sujet parce que vous avez fait un pas dans le noir, littéralement. »

Les réalisateurs étaient bien préparés à toute opposition potentielle à leur décision de tourner sur pellicule. « Lynne tourne de manière très économe », observe McGarvey. « Elle sait ce qu’elle veut. Elle ne fait pas de prises interminables. Nous savions donc que les arguments qui allaient être utilisés pour nous obliger à tourner en numérique n'étaient pas valables.

« Nos amis de Panavision nous ont beaucoup aidés à cet égard en nous fournissant les caméras Panaflex Millennium XL et les objectifs PVintage que nous avons utilisés pour la production », ajoute-t-il. « Ce n’était pas un film à gros budget, mais [Panavision] a une base à Calgary où nous avons tourné, au Canada. C’était donc génial, encore une fois, de savoir que vous avez ce soutien juste là. »

Communiquer avec la caméra

« C’est intéressant, l’idée que le film peut être le reflet de l’esprit d’une personne, et comment la façon dont une caméra se déplace peut dépeindre sans mots la sensibilité intérieure », songe McGarvey. « Il y a beaucoup de silence dans le film, et je pense que la cinématographie est particulièrement utilisée pour dépeindre ce genre d’idées. J’aime ça, quand une caméra peut être éloquente et n’a pas besoin de s’appuyer sur des mots.

« J’avais un opérateur brillant qui s’appelait Chris Chow », s’enthousiasme McGarvey. « Il y a beaucoup d’ordinateurs de poche, et son ordinateur de poche est sans égal. C’est incroyable. Et il a aussi fait du Steadicam. »

En effet, McGarvey était entouré de talents pour la production, tant derrière la caméra que, bien sûr, devant celle-ci. Le chef opérateur explique : « Quand vous travaillez avec des gens aussi brillants que Jennifer Lawrence et Robert Pattinson, vous devez leur laisser une certaine marge de manœuvre, car ils offrent toujours des surprises et de beaux moments de hasard que vous ne présagez pas. Il y a quelque chose de vraiment merveilleux là-dedans, et c’est bien d’être assez souple comme cinéaste pour accompagner ces changements. C’est à ce moment-là que la magie inattendue du cinéma se produit.

« Avec Lynne, si elle ne ressent pas l’esprit du plan, elle l’abandonne immédiatement », ajoute le chef opérateur. « Elle l’interrompt et dit : " D’accord, faisons autre chose. " Il y a quelque chose de vraiment rafraîchissant là-dedans parce qu’elle sait suivre son instinct. C’est pour cela que ses films ont une sonorité si particulière, parce qu’ils sont filtrés sans équivoque dans l’esprit et le cœur de son réalisateur. »

Filmer en jour pour nuit

« Nous avons tourné tous les extérieurs de nuit de jour, et cela a donné un sentiment de surréalisme au travail de nuit parce qu’il n’avait pas l’air réel », explique McGarvey. « Il y a un sentiment d'artifice tout à fait avoué.

« Pour les prises de vue en jour pour nuit, comme beaucoup d'entre elles se déroulaient dans des forêts et des environnements sombres, nous avons dû tourner en négatif », poursuit-il. Plus précisément, il s’est tourné vers Kodak Vision3 200T 5213 ou 500T 5219 « juste pour obtenir la bonne exposition dans ces scènes de forêt ombragée », explique-t-il. « Nous l’avons exposé normalement, mais nous l’avons imprimé dans le timing. Le contraste était réduit, mais il y avait beaucoup d'informations à exploiter. »

Sélection des objectifs

Au cours de la préproduction, McGarvey a travaillé avec Panavision pour tester plusieurs ensembles d’objectifs, et a finalement choisi les objectifs PVintage comme ensemble d’objectifs principaux. En mettant à jour les anciennes Super Speeds et Ultra Speeds de Panavision avec des mécanismes modernes, les objectifs PVintage « sont vraiment magnifiques », déclare le chef opérateur.

« J’ai aussi tourné avec deux objectifs Petzval, un 58 mm et un 85 mm Petzval, que j’adore », ajoute-t-il. « Nous les avons principalement utilisés pour leur sorte de bokeh tourbillonnant sur les bords. Ainsi, lorsque Jennifer avait ses moments de réflexion, ils étaient parfaits. Avec des arbres tachetés en arrière-plan, on voit vraiment cette signature de ces objectifs, que j’aime vraiment. »

Le cadrage de la claustrophobie

Une autre décision créative cruciale a été le choix du format d’image. « Ce film portait sur les portraits, la claustrophobie et les gens dans une petite maison carrée », explique McGarvey, retraçant le processus de réflexion qui a conduit à la décision des réalisateurs. « Nous avons immédiatement su que le 1:1.33 Academy était la voie à suivre en termes de format d’image. C’est un beau format pour mettre les gens en bas ou sur les bords du cadre.

« Cela correspondait en quelque sorte à la maison », poursuit-il. « C'était une vraie maison que Tim Grimes, le chef décorateur, a trouvée, puis il l'a améliorée et a créé le film en fonction de la maison. Mais partout où nous regardions, nous nous disions : " Dieu merci, nous avons tourné avec ce format d’image. " Tout semblait vraiment bien s’accorder. »

Embrasser l’art

Die My Love, conclut McGarvey, est « un morceau de cinéma poétique et provocateur. Je pense que Lynne est passée maître dans ce type de mise en scène. Il y a tellement de marge de manœuvre pour penser poétiquement, pour travailler poétiquement. C’est vraiment agréable de se rappeler que le cinéma est une forme d’art, et que l’art est un grand mot. »

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