Le groupe Panavision célèbre le Mois de l'histoire des femmes 2025

L’année dernière, le Mois de l’histoire des femmes a été l’occasion de lancer la série d’interviews Women Making History de Panavision, qui met en lumière des femmes occupant divers postes dans l’industrie cinématographique et partageant leurs parcours, leurs inspirations et leurs paroles de sagesse et d’encouragement. Cette année, nous poursuivons la série avec une nouvelle table ronde de réalisatrices avec lesquelles nous sommes fiers de collaborer à travers nos divisions de caméras et d'optiques, d'éclairage, de studios et de post-production.

Notre table ronde de 2025 est composée des cheffes opératrices Carolina Costa AMC, Sky Davies ACS, Alison Kelly, Simona Susnea, Kat Westergaard et Kaayla Whachell, de la 1ère AC Kingslea Bueltel, de la technicienne d’éclairage Viola Wyszynska et de la directrice de production Chanel Parkinson. La conversation commence par les premières inspirations qui les ont attirées vers l’industrie ; dans la deuxième partie, les participantes se remémorent des moments particulièrement significatifs de leur carrière ; et dans la troisième partie, elles partagent chacune certains des conseils qui les ont aidés dans leur parcours. Vous trouverez les trois parties ci-dessous.

PREMIÈRE PARTIE

Panavision : Qu’est-ce qui a suscité votre intérêt pour votre carrière et qu’est-ce qui vous inspire aujourd’hui ? 

Alison Kelly : J’ai toujours été fascinée par la lumière. Je me souviens qu'enfant, je remarquais la poussière dans un rayon de soleil et la manière incroyable dont certaines fenêtres reflétaient la lumière dure les après-midi d'été. Au lycée, j’ai eu la chance de suivre des cours de photographie au Cleveland Institute of Art et de m’intéresser à l’optique et à la chimie. Je me souviens de l'exaltation de regarder à travers un objectif et, pour la première fois, de prendre conscience de ce qu'il rendait possible. Lorsque j’ai appris par l’intermédiaire d’un merveilleux professeur de lycée ce que fait un chef opérateur, j'ai eu l'impression qu'une porte s'ouvrait sur un rêve à réaliser. J’ai su à ce moment-là que c’était pour moi. La narration collaborative, le langage visuel évocateur et la résolution créative de problèmes au quotidien m’interpellent profondément.

Alison Kelly

Chanel Parkinson : Enfant, j’étais obsédée par la télévision, et je la regardais autant que je pouvais. J’étais tellement curieuse de savoir comment les programmes étaient créés - j'ai une curiosité de longue date pour l’imagerie, mon premier mot a été « photo » ! Dès que j'ai eu l'âge de réaliser que le cinéma était un vrai métier, j'ai décidé de le faire.

Kaayla Whachell : Ayant grandi sans télévision à la maison, mon exposition au cinéma s’est limitée à des visites chez mon grand-père. Sa collection de thrillers d’espionnage des années 80 et de cassettes VHS de Jackie Chan m’a laissé une impression durable.

Sky Davies ACS :J’ai toujours été fascinée par le cinéma. À l’âge de 9 ans, j’ai commencé à faire le storyboard de mon roman préféré sans comprendre que c’était ce que je faisais réellement. Cette fascination s’est transformée en un amour pour la photographie lorsque j’étais au lycée, et finalement, lorsque je suis arrivée à l’université, j’ai pu explorer le cinéma en tant que moyen d'expression.

Sky Davies ACS

Simona Susnea : J’ai commencé par m’intéresser au journalisme et à la photographie. J’ai travaillé dans la photographie pendant quelques années, et c’est toujours l’aspect narratif qui m’a attirée. C'est ce qui m'a menée au cinéma, où l'on peut davantage exprimer ces émotions qu'avec des photos, même si les deux supports ont leur propre façon d'exprimer les émotions et de raconter une histoire.

Carolina Costa AMC : J’ai toujours aimé les films, en particulier les films d’horreur et les thrillers, et d’aussi loin que je me souvienne, j’ai toujours été attirée par la narration. En fait, j’ai commencé dans le photojournalisme parce que j’étais fascinée par l’idée d'immortaliser un seul moment dans le temps, et de le préserver pour toujours. Mais lorsque j’étudiais le journalisme, je ne savais même pas que devenir cheffe opératrice était une option de carrière. Ce n’est que lorsque j’ai entendu quelqu’un en parler comme d’un métier réel que j'ai eu une révélation. La première fois que j'ai mis le pied sur un plateau de tournage était un moment que je n’oublierais jamais. J’essaie de conserver cette émotion avec moi dans chaque projet – en restant curieuse, ouverte et prête à explorer. 

Kat Westergaard : J’ai toujours été intéressée par la photographie, et plus particulièrement par la photographie documentaire, et j’aspirais à devenir photojournaliste quand j’étais au lycée. J’ai acheté un appareil photo de format moyen, j’ai créé une chambre noire dans mon sous-sol et j’ai fait des expériences. Avec le recul, je pense que ce qui m’a attirée dans le photojournalisme, c’est la volonté de raconter toute une histoire en une seule image. J’ai fait des études supérieures de cinéma, pensant que je ferais de la réalisation, avec une spécialisation dans les documentaires. J’ai rapidement compris que j’étais attirée par la cinématographie, par la façon dont l’équilibre entre la lumière et l’obscurité pouvait modifier radicalement l’impact d’une scène, et comment le cadrage et le mouvement avaient une grande influence sur la façon dont le public vivait un moment.

Kat Westergaard

Viola Wyszynska : Mon parcours dans le domaine de l’éclairage a été façonné par une série d’expériences au fil des ans. Ce n’était pas un chemin simple, et il m’a fallu beaucoup de temps pour trouver la confiance nécessaire pour le poursuivre à plein temps – après tout, cette industrie exige de la résilience et du dévouement. Avec le recul, ma passion pour la photographie et la collaboration avec les autres a toujours été la motivation pour mes choix de carrière. Tous les rôles créatifs que j’ai assumés, y compris mon diplôme, ont impliqué la photographie et les images animées, ce qui m'a permis de rester inspirée et motivée. Au fil du temps, cette passion m’a naturellement conduit vers l’éclairage, où j’ai trouvé une connexion plus profonde. Voir l'éclairage comme plus qu'une simple illumination – comme un puissant outil d'expression – est ce qui a vraiment stimulé mon dévouement.

Kingslea Bueltel : Mon expérience avec la caméra a commencé par un heureux hasard, il y a 17 ans. Je sortais tout juste de l'école de cinéma, je venais de rentrer chez moi à Dallas et je passais chaque seconde à parcourir Internet pour trouver des postes dans des équipes pour de petits contrats non syndiqués. J’ai eu une chance incroyable et on m’a proposé le poste d’opératrice sur un long métrage indépendant de 200K $ qui devait être tourné à Austin. Il s'agissait essentiellement d'un contrat non rémunéré ; il y avait une modeste rémunération, et je devais trouver un logement, mais j'étais tellement enthousiaste à l'idée d'être sur un plateau de tournage. Une semaine avant que je ne me rende là-bas, l’émission m’a appelé et m’a dit que le directeur de la photographie voulait vraiment diriger lui-même, mais qu’ils m’avaient appréciée lors de mes entretiens et qu’ils ne voulaient pas me perdre, alors est-ce que cela m'intéresserait d'être la 1ère AC ? J’étais un peu intimidée à l’idée d’accepter un travail pour lequel je ne m’étais pas vraiment préparée, mais j’ai dit oui et j’ai commencé à faire mes devoirs tout de suite, en faisant des recherches sur l’équipement que je ne connaissais pas et en lisant les livres de David Mullen [ASC], de Doug Hart et de David Elkins, du début à la fin. C'était le mode « faire semblant jusqu'à ce qu'on y arrive ». L'émission s’est très bien passée ; Il y avait des gens merveilleux dans l’équipe qui m’ont encadrée et m’ont aidée quand j’étais perdue, mais j’ai appris rapidement et je suis tombée amoureuse de la mise au point, et à la fin, j’étais accro !

Parkinson : Ce qui m’inspire, c’est la mutabilité de la réalisation – il y a toujours des variables dans le processus, et j’apprends constamment. C’est une leçon d’humilité, la plupart du temps, j’ai l’impression de repartir de zéro, et à la fin, je suis émerveillée en regardant le résultat final en sachant le nombre de défis que j’ai surmontés pour y arriver. 

Chanel Parkinson

Westergaard : L’une des choses que j’aime dans ce métier, c’est qu’on apprend constamment. À chaque nouveau projet et avec chaque nouveau réalisateur, j’ai l’impression d’en apprendre davantage sur le métier et sur la façon de mieux concrétiser une vision. J’ai beaucoup voyagé au fil des ans pour le travail, donc ce n’est pas seulement une nouvelle histoire à raconter à chaque projet, mais aussi de nouvelles personnes avec qui travailler et de nouveaux lieux de tournage, ce qui fait que l'on évolue et que l'on apprend toujours de chaque nouvelle expérience.

Costa : L’inspiration vient de beaucoup de choses : regarder des films, contempler de l’art, ou même quelque chose d’aussi simple qu’une belle lumière étrange lors d’un repérage, ou un acteur faisant un choix inattendu sur le plateau. Pour moi, il s’agit de rester présente et d'entretenir ce sentiment d’émerveillement.

Davies : Aujourd’hui, mon amour du métier se perpétue lorsque je suis émue par une œuvre, que ce soit par l'histoire, la beauté de l'image ou la créativité de son exécution. Parfois, l'image la plus simple et la plus épurée peut être la plus profonde, et parfois ce sont les images qui font fondre l'esprit qui peuvent être transformatrices. Quoi qu’il en soit, ces moments m’inspirent à rechercher ce sentiment dans mon propre travail.

Susnea : Ce qui m'inspire, c'est l'expérience humaine et les liens qui existent à travers le monde, ainsi que le pouvoir du cinéma de les capturer et de les partager avec le public. Et une passion pour l’éclairage et le travail de la caméra, pour créer de la beauté et répandre de la positivité dans le monde.

Simona Susnea

Bueltel : Ce qui m’inspire aujourd’hui, c’est que je fais partie d’une communauté qui raconte des histoires. Et je pense que la narration est plus importante aujourd’hui qu’elle ne l’a jamais été. Les arts étaient autrefois appelés « humanités » dans les programmes scolaires, et c’est ce qu’ils sont. Nos histoires, nos expériences partagées, nos différences, nos points communs, nos difficultés ou nos triomphes, voilà ce qui donne un sens et un but à notre vie. Les choses qui définissent, inspirent et enseignent. Les films m'ont toujours influencée de manière positive, que ce soit en m'informant sur une culture ou un événement que je ne connaissais pas, en me faisant pleurer par empathie pour un personnage qui souffre, ou même en me faisant simplement rire.

Kelly : Aujourd’hui plus que jamais, la cinématographie est importante. Il y a une magie dans les images réfléchies qui leur permet de contourner les idées préconçues et d’atterrir d’une manière viscérale et capitale. Je veux continuer à raconter des histoires qui ouvrent les esprits et touchent les émotions. Nous sommes dans une époque à la fois palpitante et terrifiante par le nombre d’images qui nous inondent. L’imagerie astucieuse et élégante aura toujours une place importante.

Bueltel : J’ai travaillé sur un film vraiment unique et d’une beauté étrange appelé Nightbitch qui est sorti récemment, et lire les commentaires de tant de femmes et de mères qui disent que cela leur a donné l’impression d’être vues et représentées a été très émouvant, de voir notre œuvre toucher beaucoup de cœurs et d’esprits. C’est un privilège de créer un produit qui peut avoir un impact profond sur les personnes qui le consomment. J’aime donc toujours autant ce que je fais, et je suis très fière de pouvoir utiliser mes compétences pour aider les chefs opérateurs et les réalisateurs à raconter leurs histoires.

Wyszynska : Qu’est-ce qui me motive ? Ce sont toujours des personnes. La créativité qui m’entoure au quotidien est une source constante de motivation. Sur chaque projet, il y a quelqu’un qui remet en question ma façon de penser, qui stimule mon imagination ou qui m’initie à une nouvelle façon d’aborder les choses. La meilleure partie de tout travail est d’établir des liens et de faire partie de quelque chose qui a le potentiel de changer les perspectives et d’enrichir la compréhension des gens, espérons-le pour le mieux.

Kelly : J’aime aussi faire partie d’une communauté de chefs opérateurs et de réalisateurs. Faire partie d'un groupe est une source d'inspiration. J’adore être sur le plateau et discuter avec les nouveaux membres de l'équipe et les plus expérimentés. J’essaie de faire ressentir à chacun l’importance de chaque contribution individuelle à une production. Les équipes de tournage sont de belles équipes collaboratives lorsque cela est encouragé. J’ai encadré de jeunes directeurs de la photographie et j’ai essayé de contribuer à la communauté par d’autres moyens. J’enseigne la photographie aux enfants. Savoir lire les images est une compétence essentielle de nos jours, et nous devrions commencer à l’enseigner tôt. Les conversations sur la cinématographie sont merveilleuses parce qu’il s’agit d’une chose profondément personnelle et subjective, et en parler conduit souvent à des connexions et à des idées inattendues.

Whachell : Au fur et à mesure que mon intérêt pour le cinéma s’approfondissait, j’ai pris conscience du manque de représentation féminine dans le cinéma. Cela m’a motivée à trouver un moyen de contribuer à changer l’industrie qui a créé les films que j’aimais tant. Malheureusement, aujourd’hui, il y a encore trop peu de cheffes opératrices qui sont reconnues pour leurs réalisations. Je suis inspirée par la persévérance de mes pairs, qui continuent de repousser les limites à travers leur art tout en faisant face à des obstacles systémiques au sein de cette industrie. 

Kaayla Whachell

DEUXIÈME PARTIE

Quels sont les moments forts de votre carrière dont vous êtes particulièrement fière ? Qu’est-ce qui a rendu ces moments si spéciaux ?

Wyszynska : Il y a eu tellement de moments forts, même si je suis encore au début de ma carrière dans l’éclairage. L'un des moments les plus marquants est la première fois que l'on m'a demandé d'assurer le rôle de cheffe électricienne pour un court métrage. C’était très important pour moi, d’autant plus que l’offre venait d’un directeur de la photographie réputé. Excitation et peur absolue : « Suis-je prête pour ça ? Mes connaissances sont-elles suffisantes ? Et si je me trompe ? Je me suis même retrouvée à vérifier auprès du directeur de la photographie, en lui demandant : « Êtes-vous sûr ? » plus de fois que je ne voudrais l’admettre. Mais il y a quelque chose de spécial dans le fait d’avoir la confiance d’un autre professionnel de la création. Même si j'étais terrifiée, je savais que cette confiance signifiait quelque chose, qu'ils voyaient un certain potentiel. En accédant à ce poste, j’ai rapidement réalisé le nombre de responsabilités et de compétences qu’il me restait à acquérir, et à ce jour, je continue de grandir à chaque projet. Ce moment m’a appris que la peur fait partie du processus, et que la seule façon de se prouver à soi-même que l’on est prêt est de se lancer et de faire le travail. 

Assumer ce rôle a également complètement changé ma vision de ce que signifie être cheffe électricienne. En tant qu’électricienne, je me présentais, je faisais de mon mieux, et le travail se terminait quand je rentrais chez moi. Mais assumer le rôle d'une cheffe électricienne m’a fait voir à quel point cela impliquait des responsabilités supplémentaires. Il ne s’agit pas seulement d’installer des lumières, mais aussi de diriger une équipe, de résoudre des problèmes sous pression et de comprendre comment chaque décision affecte l’image finale.

Viola Wyszynska

Bueltel : En tant qu’assistante depuis près de deux décennies, j’ai vécu tellement d’expériences intéressantes. J’ai eu la chance de travailler pour de nombreux directeurs de la photographie extraordinaires que j’admire. C’est toujours un plaisir de rencontrer quelqu’un que l’on admire, c’est donc une source constante de fierté et d’excitation dans ce secteur.

Susnea : J’ai eu la chance de travailler sur des projets incroyables et avec des gens adorables et talentueux. C'est difficile de choisir parce que j'ai participé à des travaux qui ont résonné avec ma sensibilité, et tous ces projets et les liens avec mes collègues cinéastes se sont transformés en belles réalisations sur le plan créatif et en expériences de vie significatives. Au cours des dernières années, je citerai les saisons 2 et 3 de Heartstopper de Netflix, The Buccaneers d'Apple TV, Nowhere, un court métrage réalisé avec le soutien du British Council, et Audrey, un long métrage documentaire sur Audrey Hepburn.

Simona Susnea

Davies : En tant que cheffe opératrice, l’un des moments forts de ma carrière a été le tournage de House Of Gods. Le budget alloué était faible à moyen, et nous avons réussi à produire un résultat visuel à la hauteur de la concurrence des meilleurs films dramatiques australiens. Nous avons créé quelque chose de vraiment spécial et inhabituel avec l’apparence de la pièce, qui, selon moi, reflétait magnifiquement l’histoire. Travailler avec cette équipe et cette communauté a été une expérience incroyable.

Kelly : Naturellement, la magie de ce que nous faisons est un plaisir. Trouver le style qui correspond à l'émotion d'une scène est très satisfaisant. Récemment, pour Ironheart de Marvel, j’ai eu l’occasion de collaborer avec ma chère amie Angela Barnes, et nous nous sommes tellement amusées à rendre cette série spéciale. Nous avons eu le soutien et le temps d’imaginer de superbes scènes, montages et transitions, ce qui n’est pas toujours possible avec un programme de télévision serré. Chaque département a apporté sa contribution et la collaboration a été favorisée et encouragée. Quel bonheur de créer des séquences géantes avec des artistes qui mettent les personnages et l’histoire au premier plan. C'était incroyable de passer de la conception à l'exécution de ces scènes et les voir enfin terminées avec les effets spéciaux.

Westergaard : L’un de mes projets préférés récemment a été une série télévisée intitulée Wilderness avec la réalisatrice So Yong Kim. J’avais travaillé avec So 10 ans plus tôt sur son film Lovesong ainsi que sur quelques épisodes de télévision où elle était réalisatrice invitée. Pour Wilderness, il n’y avait qu’elle et moi pour toute la série limitée. Nous avons tourné six épisodes d’une heure sur une période de 83 jours et nous nous sommes mises au travail dans des lieux extérieurs incroyables au Canada et aux États-Unis - les montagnes de Banff Springs, Whistler où nous avons fait du rafting en eau vive et les profondeurs du Grand Canyon. Avoir l’opportunité de créer une série entière avec une seule réalisatrice – et une réalisatrice que j’admire et avec qui je partage les mêmes styles et goûts – a été une expérience tellement enrichissante. 

Costa : Je suis fière de tout ce que j'ai fait – c’est la vérité. Mais récemment, je suis particulièrement fière de mon travail avec le réalisateur Max Winkler sur la série Grotesquerie de Ryan Murphy. Max et moi nous sommes rencontrés pour la première fois il y a des années lorsque nous travaillions sur Flower, qui était notre deuxième long métrage. Se réunir après tout ce temps – tous les deux plus expérimentés, ayant tous les deux grandi en tant qu’artistes et en tant que personnes - était incroyablement spécial. Cela nous a permis de travailler avec un sentiment de liberté et de confiance, de vraiment « jazzer », en faisant des choix créatifs audacieux en toute confiance. La grammaire visuelle que nous avons développée pour la série est unique, mais profondément enracinée dans des références que nous aimons tous les deux. L’un des moments forts a été le tournage d’un premier épisode, qui était à la fois passionnant et techniquement difficile. Un autre moment marquant est une séquence de combat qui se déroule entièrement dans l’esprit d’un personnage – un défi visuellement et narrativement passionnant. Des moments comme ceux-ci, où nous repoussons les limites et prenons des risques créatifs, sont ce qui me rend la plus fière.

Carolina Costa AMC

Wyszynska : L’un des moments les plus inattendus, mais aussi les plus gratifiants a été la première fois qu'un camion de 18 tonnes est arrivé sur le plateau. C’était la première fois que j’avais une équipe complète, plus que moi et une autre personne. Mais ce qui a rendu ce moment si spécial, c’est le fait que j’ai pu recruter des gens qui m’avaient autrefois offert des opportunités. La possibilité de rendre la pareille, de créer des opportunités pour les autres et de partager la même générosité, est l'un des aspects les plus gratifiants de cette industrie. Cette industrie est bâtie sur les relations, sur l'entraide. Savoir que je peux faire partie de ce cycle, même à petite échelle, est quelque chose que je chérirai toujours.

Bueltel : Une chose qui m’a vraiment marquée a été d’avoir l’opportunité de donner des ateliers de caméra à l’école de cinéma de Moscou. En 2011, j’ai été la première femme embauchée par RED pour être instructrice pour leurs événements REDucation. Entre deux projets de cinéma, j’ai enseigné par intermittence aux RED Studios pendant trois ou quatre ans. En 2014, ils ont organisé une formation d'une semaine à Moscou. J'ai fait une spécialisation en russe à l'université, et RED a donc pensé que je serais une bonne instructrice. Mes arrière-grands-parents paternels ont émigré de Russie au début du siècle, c’était donc très personnel et significatif de pouvoir visiter un lieu de mon propre héritage. Cette expérience m'a changé la vie – ils ont un programme de premier ordre là-bas, et les étudiants étaient extrêmement doués et motivés – et j’ai adoré apprendre d’eux sur le fonctionnement de notre industrie dans un autre pays. L'école m'a invitée à participer seule à un atelier intensif d'assistant caméra environ six mois après l'événement RED, et ce fut un tel honneur d'être invitée à revenir.

Kingslea Bueltel

Westergaard : Je pense que l’une des choses que j’aime le plus dans mon travail dans l’industrie, ce sont les relations que j’ai nouées au cours de ma carrière. À mes débuts, j’ai beaucoup travaillé dans le documentaire, ce que j’adore en raison de la nature instinctive du métier. Il faut être vraiment connecté au sujet que l’on filme et rester vraiment dans l’instant. L’un de mes projets préférés a été au début de ma carrière, un documentaire de trois mois en Zambie sur la lutte contre la transmission du VIH de la mère à l’enfant intitulé The Carrier. Ce fut une expérience qui a changé ma vie, car nous vivions avec une tribu d’Afrique subsaharienne pendant des semaines et nous étions vraiment ancrés dans la communauté. Sur le plan personnel, j’ai beaucoup appris sur l’humanité partagée par des personnes d’origines et de vies complètement différentes. J’ai également appris à créer des images cohérentes et émotionnelles avec des ressources très limitées, à travers le mouvement, le cadrage et le suivi du soleil. Cette expérience a été incroyablement précieuse pour façonner mon approche de mes premiers projets de films indépendants, où les ressources étaient extrêmement limitées. 

Kelly : J’ai travaillé dans de nombreux domaines – séries à gros budget, films indépendants et documentaires pour n’en nommer que quelques-uns. Je suis reconnaissante d’avoir participé à différents types de plateaux. Je m’épanouis dans la diversité des personnes et des lieux. La joie vient en partie de l'aventure pure de ce que nous faisons pour notre métier. J’ai été descendue sur une grue de construction pour traverser un qanat romain à 100 pieds sous la surface, j’ai filmé des baleines depuis une fenêtre dirigeable et j’ai parcouru les montagnes les plus septentrionales de Suède avec un ensemble de caméra à la lumière du jour sans fin. J'ai appris à traverser les voies du métro de New York en toute sécurité, à transporter du matériel dans le paysage ravagé par le tsunami de Banda Aceh et à planifier un tournage en mer à Hawaï. Il y a des endroits très éloignés où j'ai travaillé et où j'ai été accueillie comme une amie et une collègue cinéaste, et ce sentiment d'appartenance unique est en or. L’une des leçons que j’ai tirées de mes décennies dans le métier, c’est que j’aime les gens, et c’est un cadeau de voyager, de travailler avec eux et d’apprendre d’un si grand nombre d’entre eux.

Alison Kelly

Whachell : Je suis particulièrement fière de mon premier long métrage, Portraits From a Fire. Nous avons filmé sur le territoire de Tsihqot'in, à huit heures de route de toute grande ville et sans réseau cellulaire. Lors du tournage d’une scène extérieure, deux jeunes filles sont passées devant le plateau et nous ont demandé ce que nous faisions. Au lieu de les repousser, notre 1ère AC, Diana Parry, a invité les filles à regarder le moniteur pendant qu’elle faisait la mise au point. Le réalisateur a pris une photo de nous en plein tournage. Chaque fois que je regarde la photo, cela me rappelle l’importance de créer un environnement cinématographique accueillant, et cela me motive à favoriser l’inclusion et la diversité sur tout plateau de tournage dont je fais partie. 

Parkinson : Il y a deux travaux dont je suis particulièrement fière. Le premier est Festival of Slaps, qui a été nominé pour le meilleur court-métrage britannique aux BAFTA l’année dernière. Le film traite des idées fausses sur la parentalité panafricaine à travers la relation entre une mère nigériane et son fils élevé à Londres. Je me souviens du sentiment que j’ai ressenti lorsque j’ai lu le scénario pour la première fois – le sentiment de connexion, que je pouvais m’identifier à l’histoire, que moi, Chanel Nneamaka Ifeanyichuwku Parkinson, une Irlando-Nigériane née en Grande-Bretagne, je pouvais comprendre. Il y a beaucoup de choses que j'ai regardées ou lues pour lesquelles je peux dire que j'ai été touchée par certains aspects du contenu, mais pas dans leur intégralité comme c'est le cas pour ce scénario. Ce sentiment profond était une première pour moi, et il m’a rappelé à quel point il est important de faire des films qui donnent aux gens le sentiment d’être vus, et de créer un corpus d’œuvres diversifié au-delà de mes propres expériences personnelles qui peuvent donner ce sentiment à beaucoup de gens.

Cela m’amène à mon deuxième projet, également un court métrage, intitulé Bortsch, qui devrait sortir plus tard cette année. Le film suit les tentatives d’une jeune femme de suivre la recette de bortsch de sa grand-mère russe et ses ancêtres – originaires de tous les coins de l’Europe de l’Est – se matérialisent à partir de la marmite pour revendiquer le plat comme le leur. Ce que j’aime dans ce scénario, c’est à quel point il est accessible. Il peut être un équilibre difficile à atteindre, car il s’agit de représenter une ou plusieurs cultures spécifiques et de rendre le contenu accessible à un public au-delà des personnes que le film représente. Je pense que ces deux films le font bien.

Chanel Parkinson

PARTIE III

Quel est le meilleur conseil que vous ayez reçu ? De quelle manière cela vous a-t-il aidé au long de votre parcours ?

Davies : « Assurez-vous que votre échelle est sur le bon bâtiment », ce qui renvoie également à l'autre conseil qui a guidé ma carrière : « Ne travaillez pas sur des séries qui ne vous intéressent pas ». J'ai essayé de m'assurer que je travaillais toujours dans le sens de mes aspirations en tant que cheffe opératrice – il ne sert à rien de réussir dans un domaine ou un genre dans lequel je ne veux pas être. Bien sûr, nous devons tous payer le loyer, mais il est très important pour moi de garder le cap. De plus, je dois me connecter avec la pièce d’une manière ou d’une autre, sinon je ne peux pas trouver cette étincelle créative ou cet éclat dans l’œuvre pour la faire vraiment chanter. Je veux travailler dans un monde qui me reflète et qui reflète mes valeurs d’une manière ou d’une autre.

Sky Davies ACS

Costa : Je crois que l’adaptabilité et la flexibilité sont essentielles pour une longue et fructueuse carrière. Par ailleurs, il est tout aussi important de rester fidèle à ce qui vous rend unique – la perspective et la narration que vous seule pouvez apporter. En tant que conteurs, nos expériences personnelles nous distinguent. Acceptez et appréciez cette unicité.

Bueltel : J’ai eu l’avantage d’apprendre de personnes à la fois exceptionnellement talentueuses et généreuses de leurs connaissances, ce qui m’a permis d’obtenir des conseils fantastiques au fil des ans. Le premier conseil nous a été donné par un professeur très apprécié de l'école de cinéma. Il s'agit probablement d'un cliché à ce stade, mais il a fait toute la différence dans ma vie et ma carrière : Dites « oui ». Lorsqu'une opportunité se présente, saisissez-la ! Nous sommes tous sujets à ressentir de l’anxiété ou à douter de nous-mêmes, mais lorsque quelqu’un vous offre une chance d’essayer quelque chose de nouveau ou de sortir de votre zone de confort, ne la manquez pas et ayez confiance que vous pouvez être à la hauteur du moment ! Chaque fois que j'ai surmonté ma peur et relevé un nouveau défi, que je l'ai réussi ou que j'en ai tiré des leçons, je ne l'ai jamais regretté.

Whachell : L’un des meilleurs conseils que j’ai reçus était d’entreprendre autant de projets que possible au début d'une carrière. Chaque projet m’a appris quelque chose de nouveau, non seulement sur le processus de réalisation d’un film, mais aussi sur moi-même en tant que cheffe opératrice. Travailler avec différents réalisateurs et équipes m’a permis de développer continuellement mon style et mes goûts. Garder un emploi du temps chargé et sortir de ma zone de confort m’a donné la confiance nécessaire pour me lancer dans le prochain projet, même si cela peut sembler intimidant.

Kaayla Whachell

Wyszynska : Je me souviens très bien d’un conseil qui m’a permis de garder les pieds sur terre. En tant qu'étincelle féminine, j'ai souvent entretenu un doute discret – le sentiment que j'avais quelque chose à prouver, que je n'étais peut-être pas assez forte ou que je me distinguais d'une manière que je ne souhaitais pas. Un jour, j’en ai parlé à un autre électricien sur le plateau, et je n’oublierai jamais sa réponse. Il m’a simplement dit : « Tu es ici parce que tu as été embauché pour faire le travail. C’est votre place, et cela signifie que vous avez votre place ici ». Il n’y avait pas de grands discours, pas d'explications excessives, juste une vérité simple et indéniable. Je me suis toujours considérée comme une personne logique, et ses mots avaient une belle logique et une belle simplicité. Il ne s’agissait pas de prouver quoi que ce soit ou de justifier ma place. J’étais là pour faire le travail qu’on m’avait confié, et c’était suffisant.

Depuis, j’ai gardé cet état d’esprit. Cette industrie peut être difficile et le doute peut s’insinuer, mais ce conseil a été comme un point d’ancrage. Cela m’a permis de me concentrer sur le travail, de me présenter et de faire mon travail. Et au fil du temps, ce changement de perspective a non seulement renforcé ma confiance en moi, mais aussi mon sentiment d’appartenance à mon métier. J'ai cessé de me considérer comme quelqu'un qui essayait de prouver quelque chose et j'ai commencé à me voir comme une membre essentielle du processus créatif et comme une personne faisant partie intégrante du département. Parce que c’est ce qu’est une grande équipe : un groupe de personnes qui se font confiance, qui comptent les unes sur les autres et qui savent que chaque rôle, qu’il soit grand ou petit, est essentiel dans chaque département.

Viola Wyszynska

Bueltel : Un deuxième conseil durable m'a été donné par le chef de département de ma première série syndiquée, une série hystériquement drôle intitulée The Good Guys. J’étais la 2e AC la plus verte que l’on puisse imaginer, et toute cette équipe était vraiment accueillante et d'un grand soutien. Le responsable savait que je venais de passer plusieurs années comme assistante dans le monde local des indépendants, des clips de musique et de l'industrie, où la plupart du temps « l'équipe » de tournage se résumait à moi et à un chef opérateur, et il m'a dit que maintenant que je faisais partie du syndicat et que je travaillerais sur des projets plus importants et avec des équipes plus nombreuses, je devais toujours me rappeler que je faisais partie d'une équipe ; que l'équipe de tournage était une famille et qu'elle se soutenait mutuellement ; que nous représentions notre département et notre patron et que nous présentions un front uni sur le plateau, même si nous ne passions pas la meilleure journée ; que si je faisais une erreur, ce n'était pas grave, et que je devais simplement venir les voir immédiatement et que nous trouverions une solution ensemble. 

Lui et moi sommes toujours amis, et j’essaie de suivre son exemple tous les jours. Nous pouvons tous découvrir un nouveau matériel et maîtriser de nouvelles techniques, mais le fait d’avoir cette équipe d’élite qui m’a prise sous son aile collective et m’a vraiment fait comprendre que notre façon de travailler était tout aussi importante que le travail lui-même m’a si bien servie et m’a rendu vraiment heureuse de faire ce que je fais et de faire partie des équipes dont j’ai fait partie. L'accent mis sur l'établissement de relations durables et la volonté de faire en sorte que les nouveaux venus se sentent aussi bien accueillis et valorisés que lors de mes premiers emplois, le fait de garder à l'esprit que tout ce que je fais se reflète sur mon département et mon directeur de la photographie, et le fait de faire preuve de grâce à mon égard et à l'égard des autres lorsque des erreurs se produisent sont les meilleures leçons que j'aie apprises toutes ces années.

Kingslea Bueltel

Kelly : Ellen Kuras, ASC, m’a dit il y a de nombreuses années de toujours faire confiance à mon instinct. Cela s'est révélé vrai - à la fois quand je l'ai fait et quand je ne l'ai pas fait ! Je constate que mon instinct est presque toujours juste dans certaines situations. Le défi a été d’apprendre à l’écouter, ce qui devient plus facile avec l’expérience. Elle est également très claire sur le fait que l’histoire passe avant tout par l’imagerie, ce que j’ai pris à cœur. J'essaie de partir de la vision du scénario du réalisateur et de progresser à partir de là, en liant toujours ma photographie au personnage et à l'histoire.

Ellen est un merveilleux modèle de personne qui fait passer les gens et le caractère avant l'ego et la hiérarchie. Je me souviens que lorsque j’étais AC, même après un long tournage de nuit, elle s’arrêtait à chaque camion et remerciait l’équipe pour son bon travail. Pour moi, c'est vraiment l'exemple d'un directeur de la photographie qui est un leader bienveillant. J'essaie de faire de chaque plateau de tournage un lieu sur lequel les équipes sont heureuses d'arriver le matin et se sentent appréciées. Je crois que l’énergie est contagieuse et se propage. 

L’un de mes meilleurs souvenirs est celui d’un directeur de casting de figurants qui m’a contacté pour me dire que tous les artistes de fond voulaient participer à notre série parce que le plateau était si sympathique et que l’équipe était si gentille. C’est un grand éloge ! J’ai également été reconnaissante que les membres de l’équipe aient senti que j’étais quelqu’un vers qui ils pouvaient se tourner pour faire part de leurs préoccupations et que je pouvais y répondre. En fin de compte, nous sommes une communauté, et investir du temps et de la réflexion améliore la situation de tous.

Westergaard : Le meilleur conseil que j’aie jamais reçu est celui de John Sayles, qui m’a permis de faire mon deuxième long métrage narratif. Lors de notre découverte des technologies, il m'a pris à part et m'a dit : « Tu as un bon instinct, il faut juste que tu lui fasses confiance ». Au fil des ans, j'ai réalisé à quel point cela m'a été précieux. Je comprends maintenant que votre premier instinct lorsque vous lisez une scène et votre dernier instinct – comme éteindre une lumière en arrière-plan juste avant de tourner – est ce qui rend votre œil unique. Parfois, tout le monde ne sera pas d’accord avec vous, et ce n’est pas grave. Il m’a également dit que tous les grands chefs opérateurs avec lesquels il avait travaillé avaient leur propre processus, et il a appris très tôt qu’il n’y avait pas qu’une seule « bonne façon » de travailler quand il s'agissait d’éclairage, de tournage et de réalisation. Être cinéaste, c’est parfois oublier la « bonne » façon de faire quelque chose et sortir des sentiers battus.

Kat Westergaard

Parkinson : Quand j’étais assistante de régie chez Rattling Stick, avant mon premier tournage avec eux, le responsable de la production de l’époque m’a dit : « Si tu as 10 minutes d'avance, tu es en retard », et ça m'est resté à l'esprit depuis. Par la suite, pendant longtemps, je m'installais une heure avant mon intervention, parfois plus, et j'attendais anxieusement que l'instant arrive. Finalement, j’ai fini par trouver ces moments vraiment paisibles parce qu’ils m’ont aidé à clarifier mes pensées sur ce qui devait être fait pour faire avancer le tournage. Depuis, j’essaie d’aborder les tournages avec un sentiment de sérénité, que j’espère voir chez d'autres personnes.

Susnea : Concentrez-vous sur le travail et ne prenez pas les choses personnellement. Ces deux conseils me rappellent de me concentrer sur ce que j’aime créer et de ne pas prendre les choses personnellement lorsque certains projets ne réussissent pas. L’industrie est tellement complexe qu’il est très important de garder le cap.

Costa : Cela peut sembler simple, mais l’un des meilleurs conseils que j’aie jamais reçus était : « Si vous préparez le café, préparez le meilleur café qu’ils aient jamais eu. » Quand j’ai commencé à travailler dans le département de tournage à Londres, j’ai pris cela à cœur ; je me suis assurée de savoir exactement comment tout le monde aimait son thé. Cet état d’esprit m’est resté. Quelle que soit la taille du projet, je crois qu’il faut toujours donner le meilleur de soi-même, qu’il s’agisse de créer le langage visuel le plus fort pour une histoire ou d’être le meilleur leader possible en tant que chef de département. Le travail le plus important est toujours celui que vous faites à ce moment-là. Je n’ai jamais aimé l’attitude du « ça va faire l’affaire ». Je crois que nous devons toujours nous efforcer de placer la barre plus haut, de nous dépasser et de viser l’excellence, et ce, jusqu’au dernier moment. 

Carolina Costa AMC