Le chef opérateur Quyen Tran et le coloriste Ethan Schwartz à propos de Palm Springs
C'est le jour du mariage de la sœur de Sarah dans l'oasis de Palm Springs, en Californie du Sud. Au cours de la réception, Sarah rencontre Nyles, et tous deux décident d'abandonner les autres invités pour passer du temps seuls sous les étoiles. Alors que le désert se refroidit, l'ambiance devient torride. Soudain Nyles reçoit une flèche dans le dos et le couple doit se mettre à l'abri. Nyles essaie d'éloigner Sarah, mais elle le suit dans une grotte étrangement lumineuse. Puis, en un clin d'œil, elle se retrouve dans le lit de sa chambre d'hôtel, le matin même, apparemment condamnée à revivre cette même journée à l'infini.
Présenté en avant-première lors de l'édition 2020 du Festival du film de Sundance, le long métrage Palm Springs a obtenu la distribution dans ce qui a été rapporté comme étant la plus grande vente de l'histoire du festival. Le film met en scène Cristin Milioti dans le rôle de Sarah et Andy Samberg qui a également participé à la production dans le rôle de Nyles. Derrière la caméra, l'équipe créative du réalisateur Max Barbakow était composée du chef opérateur Quyen Tran, basé à Los Angeles.
« Aussi fou et farfelu que Palm Springs soit, » dit Tran, « il y a beaucoup de thèmes plus profonds qui sont abordés : Pourquoi sommes-nous ici sur cette Terre ? Que fait-on de son temps ? Qu'est-ce que l'amour ? Nous tenions à respecter ces thèmes et qu'il ne s'agisse pas seulement d'une comédie folle remplie de pitreries. Max et moi voulions prendre le film très au sérieux et faire en sorte que les gens y réfléchissent. »
Avant Palm Springs, Tran a tourné les trois premiers épisodes de la série Netflix en huit parties Unbelievable et terminé la production du court-métrage documentaire Brave Girl Rising. Après cela, elle nous confie : « J'avais un film en projet, mais il est tombé à l'eau à la dernière minute. Mais le jour où le studio a appelé pour nous dire que le film ne se ferait pas, j'ai reçu un appel de mon agent, qui m'a dit : "Nous avons un scénario pour toi. C'est un film indépendant, mais c'est vraiment spécial". J'ai lu le scénario, et l'après-midi même, j'ai rencontré Max, et on a sympathisé. »
Il est intéressant de noter que, pour un film dont la comédie est imprégnée de crise existentielle, la main du destin semble avoir guidée Tran vers ce projet. « C'était génial », dit-elle. « Tout arrive pour une raison. »
Palm Springs a réuni la cheffe opératrice avec Panavision et Light Iron, deux de ses partenaires clés sur Brave Girl Rising. Réalisé par Martha Adams et Richard Robbins, le documentaire a été fait, explique Tran, « au profit de l'organisation à but non lucratif Girl Rising, qui fait campagne pour l'éducation et l'autonomisation des filles. Nous avons tourné dans le camp de réfugiés somaliens de Dadaab, au Kenya. »
Ce film de 20 minutes raconte l'histoire de Nasro, une jeune Somalienne de 17 ans qui a grandi dans le camp de réfugiés. Le camp, dit Tran, est « tout ce qu'elle connaît, et elle en parle magnifiquement ». Avant de commencer à tourner, nous nous sommes réunis pour discuter pendant quelques jours, car nous voulions vraiment comprendre son point de vue. C'était si beau et si pur. Nous avons essayé de capturer cela dans le documentaire. Nous voulions élever cette perspective et montrer la beauté de ce camp de réfugiés, la façon dont Nasro voyait le monde.
« Panavision a très généreusement soutenu le documentaire », poursuit la cheffe opératrice. « Je l'ai filmé à 100 % avec le T Series 90 mm. J'ai été vraiment impressionnée par la mise au point minimale, le falloff et le rendu des couleurs de la Série T. Le but du documentaire était de montrer à la caméra la façon dont ces réfugiés voient le monde, et pour cela, il fallait se rapprocher le plus possible. »
Pour la couleur finale du documentaire, Tran explique : « J’ai amené le projet chez Light Iron. Ils sont toujours très amicaux, et ils avaient aussi fait mon dernier projet indépendant, The Little Hours.
Brave Girl Rising a marqué la première collaboration de la cheffe opératrice avec le coloriste de Light Iron, Ethan Schwartz, qui se souvient que Tran « voulait un ton cinématographique qui donnerait un sentiment de richesse, avec une belle séparation des couleurs, et pour accentuer certaines couleurs, comme le rouge ». La texture était également très importante, et nous avons joué avec différents grains pour lui donner une douceur et une qualité organique. Cela semblait très naturel tout en étant stylisé. Q a vraiment réussi à capturer cet environnement et les émotions. Cela donne une bonne idée de l'atmosphère : les difficultés, mais aussi l'espoir et l'inspiration. »
Alors qu’elle commençait la pré-production de Palm Springs, Tran a cherché à poursuivre sa collaboration avec Schwartz. « Pendant la préparation, alors que nous choisissions un bureau de post-production pour nos rushes, c’est à ce moment-là que j’ai proposé Light Iron », se souvient le chef opérateur.
Schwartz explique que, comme il a été décidé dès le départ que Light Iron s'occuperait à la fois du montage et de la couleur finale pour Palm Springs, « j'ai pu parler avec Q et lui dire : "S'il y a des scènes sur lesquelles vous avez des questions ou si vous voulez que je jette un coup d'œil à quoi que ce soit, n'hésitez pas à le demander". Ainsi, au moment de la production, elle savait que j'étais là, prêt à l'aider de toutes les manières possibles. En tant que coloriste, j'aime vraiment être une source d'information ouverte pour le chef opérateur et le réalisateur. Je préfère que les questions me parviennent avant le début du montage, au cas où ce soit quelque chose qui puisse être réglé directement sur le plateau. De cette façon, nous collaborons toujours pour réaliser le meilleur projet possible. »
Tran est également retournée chez Panavision pour son ensemble caméra et objectif, qui comprenait ici des caméras Alexa Mini et les optiques de la série T qu’elle avait adoptées pour Brave Girl Rising. « Nous nous demandions : « Comment pouvons-nous élever l'histoire encore plus loin ? », se souvient-elle. « J'ai proposé l'anamorphique et j'ai dit : « Écoutez, je viens de tourner ce documentaire avec juste moi, un climatiseur et un DIT. Ça ira pour nous. Acceptez-le. Le film sera rehaussé et aura un aspect spécial, parce que peu de comédies sont tournées en anamorphose". Max a adoré l'idée, et nous avons choisi la série T parce que je voulais avoir cette mise au point minimale et je maîtrisais leur utilisation, venant de tourner en situation très difficile et sachant que le tournage de Palm Springs allait aussi être compliqué. »
Tran a surtout utilisé des longueurs focales comprises entre 28 mm et 40 mm, et elle a évité d'ouvrir complètement le diaphragme. « J'aime baisser d'au moins un tiers de diaphragme, juste pour les caractéristiques techniques », confie-t-elle. « Je déteste quand les choses sont floues, et en faisant un super gros plan, je sais que mon premier assistant caméra est déjà en train de faire une crise cardiaque ! Je ne veux pas compliquer davantage son travail. Donc j'utilise le 2.8 1/3 ou 2.8-4 pour les scènes en intérieur, puis un 3 ou 4, ou parfois un 4 ½ en extérieur. »
En pré-production, Tran et Barbakow ont également puisé dans une bibliothèque de références pour mieux définir leur approche visuelle. « Palm Springs parle véritablement d'amour, alors nous avons regardé des comédies romantiques qui avaient un ton unique », explique Tran. « Nous avons été vraiment inspirés par des films comme Punch Drunk Love, Eternal Sunshine of the Spotless Mind, Boogie Nights et Le Lauréat.
« En sortant de projets très intenses comme Unbelievable et Brave Girl Rising, j'étais toujours dans l'idée qu'il y a des questions plus profondes à aborder, alors comment ajouter cet aspect sans enlever la comédie ? » Elle poursuit. « Pour certaines scènes, nous avons utilisé des éclairages très clairs, qui rappellent les comédies romantiques classiques, mais c'est une fausse piste. Nous voulions que le début soit très "normal", puis, au moment où les choses tournent mal, voir un changement de ton à la fois visuel et émotionnel. »
La production a disposé d'un peu plus de 20 jours pour le tournage principal, qui a eu lieu pratiquement intégralement dans les environs de Palmdale et de Lancaster, en Californie. « Nous ne sommes allés qu'une seule journée à Palm Springs », se souvient Tran. « Il fallait deux heures pour y aller et deux heures pour en revenir, donc nous n'avions qu'environ six heures pour tourner. C'était la scène finale du film, qui nécessitait l'installation d'une grue - c'était insensé. Chaque plan a été storyboardé ou listé. »
Ces contraintes de temps ont été présente tout au long de la production. Pour s'assurer qu'ils pouvaient tirer le meilleur parti de chaque lieu dans un temps limité, Tran et Barbakow ont été méticuleux dans leur planification pendant la préparation. « Nous avons même fait des montages en Lego », révèle la directrice de la photographie. « Pour préparer les scènes en voiture, Max est venu, et j'ai pris les Legos de mes enfants, puis nous avons construit ces décors que j'ai photographiés avec mon Artemis ».
Pourtant, dit-elle, la planification à une certaine limite. « Lorsque vous établissez la liste des scènes, vous savez qu'il y a des chances que ça ne fonctionne pas », déclare-t-elle. « Je suis une fervente jardinière depuis une dizaine d'années maintenant, et ce que cela m'a vraiment appris, c'est qu'il faut parfois réduire ses pertes. Quand l'une de vos cultures a été infestée, vous devez tout simplement l'arracher, car elle ne va pas pousser et elle pourrait contaminer vos autres récoltes. Les storyboards sont un excellent tremplin, mais il faut être résilient, savoir rebondir vite et ne pas avoir peur de réduire ses pertes. »
Tout au long du tournage, les scènes de dialogue ont été conçues pour permettre des prises de vues croisées avec deux caméras, permettant aux acteurs d'improviser et de rester spontané à l'écran. « Permettre aux acteurs d'avoir cet espace est important », dit la directrice de la photographie. « Le seul moment vraiment difficile a été la scène du feu de camp. C'était un extérieur de nuit avec un immense désert [en arrière-plan]. Mais on l'a eu, et cette scène s'est avérée très belle émotionnellement. »
Dans cette scène, Sarah et Nyles sont baignés dans la lueur orangée du feu. Dans l'univers du film, dit Tran, la couleur orange « est très importante. Elle représente l'amour. Nous voulions que rien ne soit orange dans le film, à l'exception de ces moments très spéciaux où Nyles et Sarah se connectent - dans la grotte et la tente orange, puis avec la lueur orange du feu. Ce sont les moments où Sarah et Nyles commencent vraiment à tomber amoureux l'un de l'autre. »
Avant de commencer l'étalonnage final, Tran et Schwartz ont discuté de l'approche visuelle du projet et de ce que la cheffe opératrice souhaitait pour la suite de l'étalonnage. « Je fais des recherches et je regarde des références, mais c'est la conversation qui stimule vraiment mon imagination », dit Schwartz. « Il suffit de parler d'une partie du scénario, d'une expérience qu'ils ont vécue ou de ce qui les a inspirés pour tourner telle scène d'une certaine façon, pour que ça me donne une idée de l'esthétique. Une grande partie de mon travail consiste à définir l'apparence et le ton à partir de mots très simples.
« Lorsque j'ai discuté pour la première fois avec Q, elle a mentionné qu'elle regardait des films comme Le Lauréat, Eternal Sunshine et Punch Drunk Love, donc en allant au DI, j'avais ces films en tête », poursuit le coloriste. « Mais je savais aussi que c'était son propre film et qu'il aurait sa propre esthétique. J'avais une bonne idée de l'ambiance du film grâce à sa composition et à son éclairage. Tout ces éléments nous ont vraiment aidé à donner une direction au film. »
Au moment de l'étalonnage, Tran se souvient : « J'assurais la colorimétrie de deux autres projets, mais je tenais beaucoup à être là pour Palm Springs car je voulais le mener à bien. Katie Fellion et Ethan [le chef du développement commercial et de la stratégie de flux de travail de Light Iron] se sont beaucoup adapté à mon emploi du temps, et je leur en suis éternellement reconnaissante. »
Une fois dans la salle d'étalonnage, elle poursuit : « Ethan a fait un effort supplémentaire. Ce n'était pas un film facile. Même s'il y a beaucoup de scènes répétées, elles sont à chaque fois filmées de différents angles. Nous avons dû les filmer à partir d'une caméra "objective", du point de vue de Nyles et du point de vue de Sarah, donc il ne s'agissait pas simplement d'une ésthétique à appliquer. »
« La narration, la mise en scène et la cinématographie se sont très bien combinées pour donner des aspects très différents à une même journée », confirme Schwartz. Il ajoute : « Q est une excellente collaboratrice pour la postproduction. Elle sait précisément ce qu'elle veut, mais elle fait aussi ressortir la nature créative des gens.
« Tout le monde tenait beaucoup à ce film », poursuit-il. « Max, Q, Andy, [les producteurs] Akiva Schaffer et Becky Sloviter... toutes les personnes qui ont touché ce film ont développé une passion pour lui. Il est spécial. »
